伯纳德装置雕塑艺术（树在风中的升华）

无艺每次看亚历山大·考尔德的动态雕塑，就会收获一份从心底里油然而生的平静——空间的美、宇宙的美、自然的美、线条的美、时间的美，流动性、光影、立体感，那么完美无缺的融合在一个作品里，让你在它一旁的时候，不由自主地就会停下来，进入一种冥想状态。

这就是考尔德的雕塑最大的魅力。

考尔德的工作室，1941年

艺术家马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）评价他的艺术：一棵树在风中的升华。

哲学家让-保罗·萨特（Jean-Paul Sartre）评价他的作品：就像是大海，总是重新开始，总是焕然一新。

想让一位艺术家认可另一位艺术家，并非易事，想让这两位眼光毒辣的20世纪法国文艺界KOL都欣赏，更是难上加难，但是考尔德做到了。

这位5岁就用木块和铁丝做出造型，11岁用铜片折成小动物送给父母作为圣诞礼物，还有着工程师经验的艺术家，一直都像就像那个时代的哆啦A梦一样，每次从脑海中掏出一件作品，就让人满目惊喜。

1930年在巴黎，考尔德结识了抽象艺术大师蒙德里安（Piet Cornelies Mondrian），他如此描述首次拜访蒙德里安工作室的场景：

这是一个非常令人兴奋的空间。阳光从左右两侧照进屋内，窗户与窗户之间的实体墙上钉着一些带有彩色长方形纸板的、试验用的装置……

考尔德完全着迷于蒙德里安的画作，并建议他尝试几何元素四处移动，但蒙德里安拒绝了，他认为，绘画应保留它们最纯粹的形式，对宇宙和社会秩序进行沉思。

被拒绝了的考尔德心心念念的，又从胡安·米罗的抽象画中得到灵感，将这种在平面上呈现的抽象的节奏感和韵律感变成了雕塑，从此在“动态雕塑”这条自己新开的路上玩得不亦乐乎。

“为什么艺术一定是静态的？你看着一件抽象的雕塑的或绘画，那平面、球体、核子的排列让人兴奋，但完全没有意义。那是完美的，但它总是静止不动。雕塑的下一步是运动。”

起初，考尔德通过电机让作品运动，后来他逐渐放弃了这种方法，只使用气流驱动装置，这些在风中旋转呼吸的作品无一例外的都给人带来一种纯粹的愉悦感。

1929年，卡尔德用铁丝创作了《金鱼缸》（Goldfish Bowl）

后来，考尔德借鉴抽象主义艺术表现形式，赋予了他后来作品一种新的深度——不再复制自然界具象化的存在，而是在他的“动态雕塑”中引入了几何形状和原色，让颜色与形状在空间里随机、有节奏、有呼吸地自由摆动。

据称，1934年考尔德创作的《宇宙》在MOMA（纽约现代艺术博物馆）展出时，爱因斯坦盯着它看了40分钟。

考尔德是艺术家中的艺术家。

他的作品打破了界限和期望，提供了新的和意想不到的体验空间的方式。他的艺术和古怪的魅力也激发了很多艺术界同行的想象力，包括乔治亚·欧姬芙(Georgia O’keeffe)，她在新墨西哥州阿比基的家就挂着他的一款手机。

鸟装饰，1945

而对于在现实主义领域翱翔的加州和纽约那些光鲜的精英艺术家们来说，考尔德对日常环境的诗意诠释是对现状的一种逃离。

这种从世俗中解脱出来的感觉，也许也是为何设计和时尚专业人士不断从他独特的作品集中获得灵感的原因。

Lee Krasner佩戴考尔德的手镯 (Herbert Matter摄于1940年). 图片来源：Calder Foundation

当我们思考他对当代文化影响的催化作用和持久性时，或许可以说，考尔德的作品是一种温和的推动——就像父母和孩子之间的鼓励——吸引我们在运动和简单中寻找乐趣，在日常生活中添加游戏。

“我们看到这些移动的雕塑时，情感和意识也会随之流动。你会问它们是什么，也会反观自身，向自己提问。它帮助我们去问询，我们是谁，我们为什么在这里……这些最重要的问题。”

“直到考尔德的时代，雕塑都是对稳固和静止的表达。事实证明，还有其他可能。鸟的飞行是可能的，或者是表面上的飞行。它告诉我们，我们不仅仅是地球上的自己。”

——作家布兰登·吉尔(Brendan Gill)

“他的动态装置介于物质和生命之间……既不完全是活的，也不完全是机械的：雕塑暗示运动，绘画暗示深度或光线。考尔德什么都不暗示。他抓住了真实的、逼真的运动，并将它们加工成某种东西。他的摩天大楼不代表任何东西，除了它们自己之外，没有任何其他的指代。它们仅仅是：绝对的。”

——让-保罗·萨特（Jean-Paul Sa

《捕龙虾器和鱼尾》，1939

《鱼》 (Alexander Calder成熟期作品.)1944

无题, 1958 © 2021 Calder Foundation, New York / DACS, London

《黑寡妇》，1959

《桑迪的蝴蝶》，1964

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