初学者必学的绘画技巧（零基础美术生荐阅）

从开始画到一直画

殷尧

插画师

高中学画，尤擅线条。画画对于我来说不仅仅是一个职业，更重要的是它带给我内心的满足。

刹那花开

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经常被人问起要学画画多少年才能画成我这样，也常有美术零基础的人问我，是不是苦练素描几个月，从此就算学会画画了？

对于这些问题，我总是不知道该如何回答。因为我一直不明白，到底怎样就算得上是会画画，是指画得足够多，指画得足够复杂、足够好看，还是指能表达出来自己的心中所想，似乎并没有一个严格的界定。

在绘画这条路上，确实充满快乐，但不能否认的是，确实也充满艰辛。这十多年来，我总觉得自己的进步不够快，很多东西都是自己在反复摸索中尝试，走得磕磕绊绊。可是今天，翻开速写本,以一个相对成熟客观的心态来看自己在绘画上的经历，能看到一些自己在摸索中形成的方法经验，也能看到自己走过的一些弯路。现在回看以往的经历，不由得想，如果当时有人可以给我这样或那样的建议，是不是我可以进步得更快一些？所以，我在这里记录下来的，不仅仅是我自己的一些绘画历程，还有一些在今天看来我对于当时的自己的一些经验和教训的总结。

1.习惯的养成

如果有亲戚或者朋友喜欢画画，我会给他怎样的建议？

对于画画这件事，我想不仅是我，包括很多创作人给出的最重要的建议都只有一个，就是开始画，并且坚持画完，然后坚持一直画下去。

右图是我最早的一个速写本。当时我15岁，上高一，几乎没有受过任何美术基础训练，仅仅是看漫画，自己喜欢画。上课的时候也习惯在草稿纸之类的地方随意勾勒一些东西。

高一时的速写本

这是那个时期我的相对比较完整的几幅作品，其实可以很明显地看出，那个时候我的画风非常的“漫画”。因为对于人体结构的了解有限，画的东西都是非常“概念”的漫画风格，经常会忽略一些基本的人体结构。

开始用这个速写本的时候，右下图是我第一张画。可以很明显地看到一些问题，如眼睛的结构概念化，缺少鼻底、人中等结构。而后面的那张铅笔画的侧面像，是我大约学了一个学期的素描，对人的面部结构有了一个基本的了解以后画的，其中的差别不用多说，相信大家也能看出来。这一时期的美术基础的训练，包括速写和素描，让我对人体动态有了基本了解，虽然很多动态画得还是不够生动，但是至少不会出现太别扭的感觉。

在此期间，我开始了无意识的涂鸦和大量的临摹。这些涂鸦的东西，大多都是课堂上的产物。

我16岁才开始学画画，比起一些从小学习国画、有着非常深厚的美术功底的人来说，我的基础远不够扎实。而这一阶段的大量线条练习，让我至少能够做到下笔肯定，尽可能地运笔流畅,不会出现过多犹豫的断线。

所谓武林高手，飞花摘叶可以伤人。画画就跟练武一样，武术锻炼的是对身体和力量的控制，而画画是对用笔的控制和对画面的控制。所以无论你的画风是怎样的，无论是抽象还是具象，无论是写实还是夸张，无论是写生还是临摹，大量的线条训练和造型训练，都可以有效提高对作品的控制力。

坚持画完一幅画

在创作的最初，往往因为自身能力的限制，总是觉得各种不顺。我在这个时期其实也是这样的。

有的时候恨不得一个星期就用掉一块4B橡皮，因为总是想自己设计一些东西。可是对画面的控制能力根本达不到，而且我又是非常极端的完美主义者，所以就反复地打草稿、擦掉、打草稿、擦掉，直到觉得对画面基本满意才开始上墨线。有的画纸甚至都擦破了，只能挖掉再贴补上一块（左下图就是这样的，仔细看能看出贴补的痕迹）。而且这个阶段的作品，比较完整一点的，几乎每张都用去了差不多半块4B橡皮……随着后来对于美术史和艺术家的了解，我越发体会到一个道理：很多时候看似随心所欲、妙笔偶得，其实是千锤百炼所致。这个痛苦的过程，可以训练你自己去思考，更有助于提高。

背景上能看到贴补的痕迹

对自己的画要有一个完整作品的概念，不要轻易地放弃你的画，也不要觉得不理想就是“画坏了”，无法继续。因为只有你完成一整张可以写上签名和完成日期的作品...

关于临摹的小贴士

创作初期，临摹往往是必不可少的。我个人认为，临摹绝对是最快速的一种学习方式，但是临摹的目的不是为了临摹得和原画一模一样，而是要去学习一些内在的东西，如人体动态结构、用笔方法、明暗光影和画面疏密等。

我个人不太建议100%地临摹，因为我相信每个人有每个人的眼睛，每个人看到的世界是别人无法看到的。构图、动态、装饰性纹样的形式、色彩关系和黑白灰的关系等，很多东西都很值得学习，但还是要坚持用自己的眼睛来看世界，用自己的想法来描绘世界。可以尝试临摹一些元素或动态，然后用那种元素的表达方式来表达类似质感的物体。这就像我们去学习一门新的语言，刚开始是学着用别人的词汇来说话，然后渐渐形成自己的语言，形成自己的话语风格。还有就是，不要刚开始画的时候就追求很好的效果。徐悲鸿说过“宁方勿圆，宁脏勿洁，宁拙勿巧”，这12个字当年对我来说很重要，这里也送给大家。

2.知识的吸收以及风格的形成

大学的意义就在于，这是一个可以让你尽量打开眼界去看世界的时期。上大学以后，进入了一个很好的氛围，有很多的时间可以自由画画，同学们之间互相分享信息，交流绘画技法。于是，短期内获得了很多自己以前从未接触过的知识。

学习席勒的一些刻画人体的方式，以及克里姆特对一些纹样的处理

有之前在美术史里大概知道，可是却没有很深入地了解的，有根本没听说过的。记得当时在同学的推荐下，我买了一本比亚兹莱的画集、一本席勒的画集和一本克里姆特的画集。他们那种鲜明又极具个人魅力的画风一下子就吸引了我，于是开始不由自主地去向他们学习。这几位大师级的人物也在很长一段时间里影响着我。

埃贡·席勒

奥地利画家，以近乎颓废的神经质的病态人物造型呈现其成熟、抑郁的画风而闻名世界。席勒的画作，线条富于表现力。纤细又敏感、孤独而强悍、羞涩而又自负。他的人像作品，人物大都瘦骨嶙峋，旨在表现人物内在的信息。同时席勒也是极为自恋的画家，他的作品中有很多自画像。

古斯塔夫·克里姆特

维也纳分离派绘画大师，奥地利画家。作品吸收了古埃及、希腊及中世纪诸艺术要素，将强调轮廓线的面与古典主义镶嵌画的平面结合起来，创造出一种独特的富有感染力的绘画样式。

席勒 百度百科

克利姆特 百度百科

接收了大量信息的后果，就是对自己的风格定位进入了一个迷茫而混乱的阶段……每一次看到吸引我的某些风格的东西，就忍不住去想，我是不是也可以那样去画?然后就会去尝试。而一味模仿学习的结果是，作品有些画虎不成反类犬，看起来很可笑；有些只似其形不具其意，没有什么吸引力；有些看着还像点样，可是却完全失去了自己的感觉。

总之，自己的风格到底该如何定位和发展，是当时困扰我的一个极大的问题。

风格

一个人的绘画风格，就是他看世界和理解世界的方法。不可能有两个人的风格是完全一样的。以我自身的经验来说，在初期会受自己喜欢的艺术家风格的影响，这是再正常不过的事了。但是风格这个东西，是随着自己的吸收、思考、实践，慢慢地衍生出来的，而不是通过短期的临摹学习来的。临摹可以学到创作者的一些绘画语言，但是只要是动脑子的临摹，这些东西就会渐渐被自己理解、吸收，然后经过发酵形成真正属于自己的风格。在成长的过程中，所需要做的就是大量地学习、吸收和创作，这样，属于自己的风格也就自然而然地形成了。

吸收

如果你喜欢一个艺术家或者喜欢一种画风，要做的不仅是盲目地崇拜他和关注他的作品。如果仅仅是临摹你喜欢的这个艺术家的东西，那么你永远只能做他的追随者，很难赶上他。你需要做的是去研究他，看看他喜欢的是什么样的东西，他受了哪些艺术家的影响才诞生了他的作品，他对人文和社会的理解是怎样的，他的参考资料是什么，看看他这种艺术方式诞生的源头到底是什么。学习和传承的意义就在于，你可以通过一座山峰攀登上另外一座山峰，直到你也成为一座山峰。

差不多在这个时期，我形成了以线条为主的绘画风格。我觉得一直画线条是一件很舒服的事情，画线就好像在纷乱的世间里寻找万事万物的共性，然后通过绘画排列、重组、归纳、整理。每当完成这样一项工作，就会觉得内心再多的烦乱也在这样的工作中被理顺了。

3.关于想象力、天赋、灵感

人们常说，想象力、天赋、灵感是成为一名艺术家必备的条件。对于这种说法我虽然认可，却也不完全苟同。因为这种说法就好像艺术家之所以出色是因为得到一些天外飞来的礼物，而忽略了他们是通过怎样的努力才获得这一切的。

想象力

最近有些处于绘画初期的朋友说，自己的想象力似乎比较匮乏,总是不知道该画些什么，问对于这种问题该如何解决。其实对于这个问题,我相信每一位出色的艺术家都可以给出一个自己的创作来源。从最基本上来讲，我可以谈谈自己的一些感受。

首先，我认为没有什么想象力真的是天马行空的，所有的想象力都是建立在对客观现实的熟悉并了解的基础上的。举个简单的例子，一幅画面的主题是大象的身上长着一棵树，树上有一间树屋。这看起来似乎是个比较有想象力的主题，可是要表现出这样的主题，首先你的脑子里要有大象的素材、有树木、有房屋的素材。所以在初期，需要做的事情就是积累素材。如果没有素材，你的脑子就是空的，自然也就谈不上什么元素的重组和创新，也就不知道自己该表达什么。无论写生、临摹还是根据参考资料的再创作，都是很好的积累素材的方式，而最重要的就是要多动手去画，因为只有画过一遍，这个东西才能真的留在你的脑子里。

其次，是寻找自己的绘画语言。什么是绘画语言？

对于毕加索的画作是怎么看的？

毕加索之所以是毕加索，除了众所周知的他在画抽象画以前写实功底也是相当了不起的之外（毕加索本人是这样说的:“我14岁就能画得像拉斐尔一样好,之后我用一生去学习像小孩子那样画画。”），还有重要的一点就是他所诞生的时代。在毕加索创立立体主义画派的时代，也正是爱因斯坦提出狭义相对论的时代。爱因斯坦的相对论提出了新的时空观念，而毕加索的绘画也展示出了从未有过的立体主义空间构成。在那个时代，各种思潮、科学、艺术、文学都在激烈地碰撞、交融，然后诞生出新的产物。其实任何一个时代，创作都不会是完全孤立的，惊鸿一瞥看到的仅仅是浮光掠影，而在其背后的是那个时代所持有的特质。

同样的主题，不同的人表达起来会有完全不一样的感觉。这种不同不仅仅是指绘画风格上的，还包括使用的工具的材质，画面中的线条、光影等视觉信号……

看画的时候，往往会觉得一个人的绘画语言越是鲜明有力，他的画留给我们的印象越深。初期的积累，就是通过学习别人的绘画语言，找到适合自己的绘画语言的过程。这同样需要大量的记忆和练习。

当绘画元素的积累和绘画语言的积累都具备之后，画画就是一件自然而然的事情了。

4.遭遇瓶颈时的突破技巧

创作系列性的作品

在灵感枯竭，或者是不知道该如何提升的时候，去进行一些主题性的系列创作是一个很好的选择。因为有些主题或者构图，在你最本能的绘画情况下，可能不会轻易尝试，但是在进行一些主题性绘画创作的时候却有可能会去挑战自己。

进行一整套的设计，不仅仅是为了完成一套完整的作品。设计的基础训练，是一个需要打破自己的过程。一系列的东西，如何能够风格统一、相互呼应，同时保持其丰富性和新鲜感？反复地去训练自己，打破自己的惯性思维，去做更多的尝试，才有可能更快提升。

最后的建议是总结我自己，也是送给大家的，那就是无论过程多么艰辛、无趣、痛苦，也一定要坚持去完成一整套的设计！这将令你受益匪浅！

打破固有思维的尝试

在不知道该画什么的时候，就这样随意地在纸上涂一些线条，然后从中提炼出一些结构。

然后从这些结构中提炼出一些角色的轮廓。如果这时候还不知道该怎么继续，可以参考一些特色的服饰素材，来帮助完成你的角色。

这样可以打破自己惯有的构图和结构，迫使自己做一些新的尝试。即使中间不知道该怎么继续，也要坚持完成整个过程，尽量让其成为一个作品。

当然有的时候，用这样的方法画出来的东西，结构上也许多少会有些问题，但是我依然觉得这是一个非常好的打破僵化思维的训练方法。

最后，是我之前的一些作品的展示，从最早时期稚嫩的笔触和对各种风格的借鉴吸收，到慢慢地形成了自己的绘画风格，这是一个漫长的过程。当一件事情持续做了很久，它就会很自然地成为生活的一部分，也就无所谓坚持不坚持了。现在我依然每天都在画画，也依然会突然喜欢上某种自己以前从未接触过的事物，从而导致风格的转变。虽然将来会变成什么样，我也不清楚，但是我享受这样的感觉，这对于我来说，就是自由。

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