日本最新僵尸电影（日本年度黑马的僵尸cult片）

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18万人民币成本换来高达1000万人民币的票房，总观影人次破11万，口碑持续发酵，直冲各大榜单的年度十佳。

很难想象，如此多的殊荣竟来自于一部小成本的僵尸片。这部名为《摄影机不要停！》的日本电影，凭借其37分钟一镜到底的长镜头和充满cult片风格的视觉效果令无数观众为之着迷。

不可否认，技术上的大胆尝试，是本片吸引观众的一大原因，但如果只是单单有长镜头和僵尸这两个元素，该片其实也不过就是一场花哨的炫技表演。

随着技术日新月异的发展，愈发多的呈现影像的方式被发明出来，诸如近两年日渐完善的纯第一人称的电影《硬核亨利》，该片完全通过改造人的亨利的第一人称呈现一场嗜血的动作大戏，十分具有视觉冲击和表现力。

再如这段时间反复提到的《网络迷踪》，桌面电影的概念自问世也不过五年左右的时间，但从本片已经能够看出该种呈现影像形式未来更多的可能性。

而对于长镜头这种运镜方式的发展，从早期几十秒到几分钟，再到后来诸如《诺亚方舟》和《维多利亚》所实现的全片的一镜到底，观众所体验的电影时间等同于现实时间，人们实现了完全的代入感。

以上所举的例子其实是为了表达一个核心的观点，就是技术的发展只是丰富影像呈现的手段，随着科技不断创新，观众在纯视觉的享受上会更加的丰裕。但对于一部电影的评价标准，不能只求“新”，而要追求其更加深层的主题和导演个人的表达。

回到《摄影机不要停！》，之所以想要拿本片和大家做以交流和分享，就在于从该片中，笔者看到的不仅是导演对于小成本僵尸片拍摄上的巧思，更在于其通过精巧的结构所达到的对于“元电影”，即学术上又称为“反身性电影”的直观呈现和反思。这是本片高于一般cult片最重要的一点，也是我想讨论的核心。

既然要分析片中所呈现出的“反身性电影”，就必须先阐释一下这个概念，首先所谓的反身性，指的是意识回到自身，即关照我们每个人本体内部，那“反身性电影”则就是关于电影本身，关于电影人的电影。

电影学上将“反身性电影”在电影中的呈现，以传统反身性电影和现代反身性电影来区分。

所谓传统反身性电影，我们以比利.怀尔德的《日落大道》和特吕弗的《日以继夜》为例，即不是讲述电影制作本身，而是关注故事中所描述的角色。比如《日以继夜》，虽然是讲述一个剧组拍摄电影的过程，但是这个拍摄现场的呈现是拍摄影片中的某部虚构的电影，而不是拍摄影片，即《日以继夜》本身。

而所谓的现代反身性电影，则是试图去打破电影中建构的真实感，通过淡化人物与行动的真实性，来借以进入创作者的内心和主观世界，呈现出的影像更像是一次导演的自我剖析过程。影片所注重的是形式寓意，而非某种具体的拍摄现场的困境，更强调“抽象”的问题，而非“存在”的问题，此类电影的例子详见费里尼的《八部半》或者是伯格曼的《假面》等等。

从上述论断就不难看出，《摄影机不要停！》显然属于前者，即“传统反身性电影”的范畴。借由拍摄出的影像向电影本体致敬和试图解构影像本身，这是本片试图在做的，也是很值得观众玩味的。

开场三十七分钟的cult片质感的长镜头，给观众营造了一个“荒诞”的僵尸片情境。男女主和化妆师之间的尴尬对话，对现场发生的一切漠不关心而后无理由失踪的录音师，以及僵尸的莫名停顿还有追杀女主的僵尸猝不及防摆起的poss。

当观众调动其既往观影经验来理解和欣赏这部电影时，会出现两种极端的情况。一种是完全把这三十七分钟当成一场“闹剧”，所有的尴尬可能都来自于经费不足而产生的粗糙和劣质感。

而另一种更为致命，这类观众普遍为迷影人群和电影圈的专业人士，他们会试图去分析导演的创作思路。比如在天台上，男女主被疯癫的化妆师追杀时，男主和化妆师撕扯扭打的段落，摄影机始终将镜头对准女主的反应。

稍微有观影基础的观众，会把这当做是导演特别的设计，即回避暴力血腥场面，通过角色的反应和画外音来强化场景内的冲突，以给观众更多的想象空间。

这种思考模式来自于人们既往所形成的对于影像视听层面的敏感，而导演恰是利用了这种敏感，在你本以为可以了解一切的时候打破这一切。当长镜头结束，时间跳转到一周前，这部电影其实某种意义上才真正开始。

导演通过拍摄前的筹备，拍摄中的混乱，以及观众的及时反馈来构成影片后续的故事主线。那个我们以为的僵尸片，不过是某电视台做的一档一镜到底的直播节目，而片中饰演导演的，就是被雇来拍摄这个节目的导演本人。当观众慢慢跟随剧组的组成，到正式拍摄的那一天，我们开始了解为什么那个37分钟的长镜头会带来那么多的诡异瞬间。

原来这一切，都是由一个又一个事故导致的，为什么会有化妆师与男女主的尴尬对话，是因为那时扮演僵尸的男演员喝醉，而导致情节无法继续，所以导演组让三位演员即兴表演，才会有那段的尴尬情境。

而那个天台上的女主单人镜头的反应，其实真相是扮演化妆师的女演员由于入戏太深，而抛开剧本完全即兴，剧组人员为了控制她而让摄影师先一直拍摄女主。

至于那位坐在一边毫无参与感的录音师，则是因为拉肚子所以不得不马上离开。

所有的歧义，所有被两波观众感受和读解的那些时刻，其实都来自于拍片现场的种种车祸和事故。当观众了解了这些，导演又给出了那些看这段直播的人的画面。这个时候，仿佛是银幕前的观众在看三十分钟前的自己，那些由于不了解实情而产生的观影体验，实则都有据可循。

这不禁会让我们思考“看电影”这件事儿本身，到底光影中所呈现的哪部分是真实，哪部分是虚构，我们该相信什么，又该从这些影像中读解什么。这没有一个统一的答案，但有一点是确定的，每个人都会有一套自圆其说的逻辑，不必说服谁，但是要说服自己，让自己认同和接受，这就够了。

到底什么是即兴，拍摄事故，什么是预先设计好的，这真的很重要么？观影的那个瞬间，借由影像媒介所带给我们的种种情绪，那个当下也许才是最重要的。

导演不畏惧打破银幕上的幻觉，他恰恰利用了观众的这种心理。好莱坞电影所带给我们的思维惯性是，相信银幕上是真实的，是一场梦，而本片的魅力则在于，主动打破这种真实，让观众参与其中，更加接近于电影本体，借由这样的故事反思我们自身。

除了借由解构电影本身来达到与观众的互动，其实片中还有很多具有人文关怀的部分，尤其是对于剧组众生相的呈现，特别能够有从业经历的人找到共鸣，这种感觉颇有点看《开麦拉狂想曲》时的体验。

被雇佣来拍这个一镜到底节目的导演日暮，平常做着纪录片的节目，有一个小细节很耐人寻味，即“眼药水”。为了达到纪录片该有的效果，日暮给拍摄对象滴了眼药水，但是拍摄对象压根不知道自己这时为什么哭。

虚构的真实来自于对于现实的扭曲呈现，纪录片所谓的真实性，也不过是导演有意的选择。到底什么才是应该记录的，什么是要坚持的，什么又是要妥协的，观众能从日暮身上看到这种矛盾性。

最近在看的是枝裕和导演亲笔写的书《拍电影时我在想的事》也有提到这一点，虽然在做纪录片，但为了效果又不得不去人为干预，作为导演，这是该有的状态么？让一切自然而然的发生，还是刻板的根据预先的计划去执行，显然前者可能会给创作带来更多的活力和惊喜。

片场的种种，其实也反映出影视行业的生态现状，耍大牌的小鲜肉，想要取代掌机摄影的摄影助理，陷入中年危机的嗜酒演员，有社恐的刚出道的小演员，只求顺利，不求效果的安于现状的制片人，以及有着导演梦的草根等等，每个人所投射的，都是行业内很大的一个群体，他们或迷茫，或痛苦。

虽然老话讲隔行如隔山，但通过如此直观的呈现，还是能够让每个观众了解和感受到他们的艰辛和不易，特别是影片结尾处用工作人员搭起的摇臂，相信会让大家更加尊重那些被搬上银幕的电影作品。

作为一部以小博大的成功案例，作为黑马出现的《摄影机不要停！》无论从形式还是内容上都反映出了导演对于影像本身的高度自觉和敏感，不要仅仅被银幕上喷洒而出的血浆迷惑了双眼，导演想要通过本片讲的其实远远不止于此。

对于元电影的讨论仍会继续，因为它归根到底，关注的是我们自身，而我们借由电影，其实也是为了更多的认识自己。总有一天，我们会意识到，原来自己的人生，远可以比现在更加的精彩。

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