蒙德里安的格子画属于什么（为什么蒙德里安的格子看似简单）
彼埃·蒙德里安（Piet Mondrian），经常一提到他，会有很多人会对他的作品产生一种误解，就像认为赛·托姆布雷的黑板画小孩也能画一样：不就是画格子吗？谁不会啊！
别轻易立这种flag，你可能还真不会。
荷兰有一家电视台曾做了一档临摹名画的节目，找专业画家临摹伦勃朗、梵高、蒙德里安等，原本大家以为蒙德里安最简单，没想到最后只有蒙德里安临摹失败了。
小小的“格子画”，竟然有这么奇妙？
今天无艺就来跟大家聊聊，为什么蒙德里安的格子看似简单，却不是人人能画得了的。
Piet Mondrian，1872-1944 彼德·蒙德里安
荷兰画家。
他是由学院传统与荷兰写实风格转变为最彻底的几何形抽象的画家。最初他学习过新印象主义和表现主义，1912年在巴黎受立体主义的影响。
1920年左右，他由过去半抽象转向纯抽象，并提出新造型主义。
在哲学方面，蒙德里安的艺术源于新柏拉图主义的神智学——认为一切可见之物都是通过“神灵”而显现的，所以宇宙从本质上说是精神的而非物质的。
他的严格的几何形构成，不仅影响了现代绘画，而且也影响了现代建筑和工业设计。
从学院派写实起步的蒙德里安，早期还是花了很长的时间寻找自己的风格的。
1905年，蒙德里安开始尝试不同风格的绘画语言，甚至根据明暗变化调节风格和技法：白天阳光下是写意的风景描绘，夜晚氛围下则略带表现主义意味。
Trees on the Gein,1907
Great Landscape，1907-08
1909年，寻寻觅觅了4年之后的蒙德里安接触到了通神论，宗教力量也赋予了艺术神秘的象征意义。
如果宇宙万物都有潜藏的“纯粹实在”，那艺术是否也可以揭示出隐秘的真实和普遍的共性？
自那时起，他开始地逐渐摆脱自然的外形，以追求内在精神的表达方式来进行创作。
艺术的内在规律、自然的真实本质、纯粹的精神表达、全新的宇宙秩序，这些看起来宏大又虚幻的观念在蒙德里安的心里深深扎根，指引着他摸索着艺术之路。
Lighthouse in westkapelle,1909
Dune in zeeland,1910
1912年，移居巴黎后，蒙德里安开始以立体主义风格作画，用垂直和水平线条表现抽象景观，专注于图像的结构和组织，试图“通过线条，色彩和区域的平衡达到画面和谐和完美”。
但，他总感觉差了点，或者说，多了点什么。
Evolution,1911
The Large Nude， 1911
Composition Arbres,1912-1913
1914年因一战爆发滞留在荷兰的时间里，蒙德里安静下心来沉淀——他开始思考物理世界的本质以及如何构成宇宙和谐。
立体主义并没有彻底实现他理想中那种对“纯粹实在”的表达，也就是纯粹的造型表达。而他认为艺术的终极目标，应该是将表象化的现实还原至最本质的结构：平面、色彩、节奏与韵律。
“这些线条和颜色组成的格子，是为了以最大程度表现美。
我们眼中的大自然，让我和所有其他画家一样有了情绪化的感叹，产生着创作的冲动。
但我想尽可能抽离出那些情绪，接近真相，直到探寻到万物之源（即使只是真理表面的一小部分）……
我相信这是可能实现的。这些垂直和水平的线条，完全来自高度的本能和认知，而不是经过计算，充满了和谐与韵律。
这最基本原始的美，加上其他线条的辅助，便是艺术。真实且强大的艺术。”
——蒙德里安在 1914 年写给H. P. Bremmer的一封信
Pier and Ocean 5 (B78), 1915
1916年之后，在与好友荷兰数学家和哲学家苏恩梅克尔（M.H.J.Schoenmaekers，认为生命的本质是通过 “造型”和“数学”方式构建的）的相互启发之下，蒙德里安开始认识到 “通过这种手段，自然的丰富多彩就可以压缩为有一定关系的造型表现，艺术也成为一种如同数学一样精确表达宇宙基本特征的直觉手段。”（这也是“新造型主义”的释义）
他认为物质（matter）是精神（spiritual）的敌人，只有抽象才能代表精神，抽象是未来的象征。他也认为在现实之下有更加真实的真相，而抽象是他选择达到这个更真的真相的手段。
Beech tree and Farms，1916
1917年，他和好兄弟们（抽象艺术家西奥·范杜斯堡 Doesburg和巴特范德莱克Bart van de lerk）开始创造自称的荷兰风格派，正式踏上了运用线条和色彩区块去实现自己的理论的抽象艺术道路，创造出了独特的绘画语言——“几何抽象”。
Composition number 3 with Color Planes, 1917
Composition number 3 with Color Planes, 1917
“理智会混淆直觉。眼见的外表形式会蒙蔽真实的本质。”
埃及艺术的简化意识中探寻灵感的彩色玻璃艺术家Bart van de lerk，只用三原色的精准，也极致地影响了蒙德里安。
他们认为，三原色包含了所有颜色，线没有尽头，色块没有边界，可以无限延伸。
在哲学意义上，蒙德里安给画作中的直线也总结出一个方程：垂直=男性=空间=静态=协调；水平=女性=时间=动态=旋律。
蒙德里安的“新造型主义”，试图在艺术中消除个性的展现，探寻纯粹的精神创造，作品仿佛无限平面的片段，每个方向都可以延展，画布成为完整的对象和宇宙，没有任何东西可以超越。
Composition No.II 1920
Composition C，1920
1921年，蒙德里安发展出简化提炼到极致的几何抽象图式：三原色、三非色，水平线――垂线的网格结构。
“运用直线与色块，通过意识直觉地引导构造，带来节奏和韵律这些最本质的美，我相信这是一种艺术。”
Composition with Large Red Plane Yellow, Black, Gray, and Blue, 1921
Composition with Red， Yellow and Blue 1921
红黄蓝构图，1930
黄块构图，1930
Composition with Avocado，1940
后来，经历了与风格派的决裂之后，蒙德里安的生活和行为都极端个人化。不过，与这种生命的“孤独”相对，蒙德里安的理论却越来越扎实。
1940年后，他在美国，受到纽约市的脉动生活和美国音乐的启发，将自己创作中的造型、均衡性、色彩和社会、心理等多角度阐释新造型主义美学思想，泛化到音乐、舞蹈、建筑等相关艺术门类。
于是，自1918年开始的黑色线条与原色矩形一起消失了，取而代之的是连续流动的彩色线条和以前作为背景的白色形成了一个坚实的平面整体，现代大都市的生活节奏在他的画面上影影绰绰地浮现。
纽约城，1942
1943年所做的《百老汇爵士乐》是蒙德里安的集大成之作，充满韵律的色块，边缘模煳的界面，四方扩散的动势，仿佛从环境乐谱里撷取出篇章。
秩序的造型呈现形式的美感，如同内在韵律的附随，又仿佛心中流泻的旋律。
百老汇爵士乐，1942-43
1944年的《胜利之舞》是蒙德里安的遗作。
直到他去世，画还摆在他画室的架子上，并没画完，所以在画画的过程中，他其实是一步步感觉到死亡在向自己逼近的，但他却画了幅叫“胜利”的画，还跳舞欢庆。
胜利之舞，1944
为了和死亡赛跑，蒙德里安用了当时只有美国才有的彩色胶带，这样就能通过黏贴，很方便地尝试画的颜色和布局。（如果有机会看到这幅画的原作，可以看到画上贴着很多彩色胶带）
而且平时他从不邀请别人来看自己画画的，但画“胜利之舞”的时候，他还办了工作室开放日，请大家来，积极交流自己的画画过程。
面对死亡这么可怕的东西，蒙德里安仍旧在积极地给世界传达乐观的信号，希望留下一幅明亮的画鼓舞观者。
胜利之舞（细节）
胜利之舞（细节）
无艺觉得，如果说马克·罗斯科临终前的黑色画是给了我们一个通往“另一个世界”的通道，那蒙德里安的《胜利之舞》就像他站在那条路上，告诉我们回头看看，我们这个世界还充满了明媚的颜色，值得驻留。
蒙德里安说，观众一定非常容易理解他的画，因为观者也能感受到一种精神上的平静和宇宙间的平衡。
所以，关于蒙德里安，要提两个重点：
- 1、全是完全手绘的线条，没有借用尺子等工具，也没有计算，所以不要再扯黄金分割了
- 2、是为了追寻“真理”而诞生的、有了一定的哲学性质，而之前的作品是为了追求独特的表现方式而诞生的。
所有最简单的东西都是最难的—— NAT无艺
不信你试试。
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